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克隆艺术品应卖批发价?

发布人 :管理员  浏览 3068  次 【字号 】  发布时间:2012年4月9日 打印本页

近年来,艺术界有这样一种现象,就是由于广为艺术品市场看好,有些艺术名家或限量复制,或流水线生产自己的得意之作。随着时间的推移,这种现象有愈演愈烈之势。那么,我们应如何评价这类艺术家?又如何衡量这类作品的收藏价值?既然作品失去了唯一性和原创性,那么艺术家可不可像出售其他商品一样按批发价兜售自己的克隆作品?

正方

限量复制可保护艺术家

高公博 (中国工艺美术大师、中国根艺美术学会副主席)

许多人能为自己收藏到宝贵的艺术作品而自豪,同时也想此类艺术作品能得以更好的维护和提升,不希望看到优秀的作品被复制或仿造,这种心情是可以理解的。但相对而言,国内有一定知名度的艺术家还是很少。以工艺美术为例,国家级大师只占工艺美术创作队伍的极小比例,而这些艺术家创作的作品远远不能满足社会的收藏需求。所以,艺术品的创作与复制,一直以来是社会存在的普遍现象,这是不可避免的现实问题。也正因为此,这种现象还将在一定的时期内存在。

随着人们审美水平的不断提高,艺术品的收藏已经进入更为广泛的领域,许多名家的优秀作品,也越来越引起社会的喜欢与关注。艺术品从被人们接受到确立收藏地位,需要经过漫长的过程。在当今社会中,艺术品的收藏价值,关键在于艺术品本身的内涵与品位,特别是具有巧妙构思和强烈个性的艺术作品,它们往往会被人竞相收藏。有些艺术品类,如铜雕和陶塑等,可能会以数量定制来提升自我的生存能力,继而扩大艺术品的影响力。而作品在被社会广泛接受的同时,也为艺术家的再创造注入了更为有效的动力。作品流入市场时,艺术家倘若确定复制的总量数额,会对保护作品艺术风格和艺术研究有重要的意义。

当然,我们强调艺术的独立性,是指作者善于在不断创作中有着非凡的艺术活力。为了避免重复自我,艺术家必须坚持敢于创新,敢于探索,从而给社会带来更多的选择余地,这也正是确立艺术在收藏中的地位。为了提升作品自身的艺术价值,我们不能忽视盲目复制的现象,更不能任其发展,对于受到关注的艺术收藏作品,亦应当限量复制或最终在收藏协商中,以买断价位来杜绝作品的复制;另一方面,艺术创作之所以被人们所喜爱,是因为艺术作品本身的纯真性。因此,本着对社会负责的态度,艺术家应更好地理解收藏家的意愿和理念,尽量满足他们的希望。而唯有此,才能对艺术家本身的保护和社会的收藏定位产生更积极的影响。

得到广泛认可方能复制

许鸿飞 (广州雕塑院院长、著名雕塑家):

在艺术界,起码雕塑、摄影、版画是允许复制的,但要限量。按照国际惯例,雕塑艺术家自己参与制作的作品,只要每款控制在10件之内,都算原作,价值都比较高。

雕塑家复制自己的作品,并不是单纯为了金钱。一件成功的雕塑作品的艺术价值得到了社会的普遍认可,有很多人喜欢,为了尽可能地满足多方面的需要,雕塑家只能限量复制。譬如罗丹的《思想者》,英国买了,日本买了,韩国也买了……如果这件作品不复制,结果只能是把它放在卢浮宫,那全世界的人都要到卢浮宫参观,多不方便啊!十几年来,我大概创作了百余件(套)雕塑作品。我复制这些作品时,每款都控制在10件以内。开始,我对自己作品的流通情况不太清楚,如我那件骑自行车的《迎风》仅制作了5件,结果满足不了藏家、博物馆等的需要,有些后悔;再如那件《快乐的胜利》,体积比较大,结果去了新加坡、印度尼西亚、中国香港等国家和地区,具有国际性。有人接受,我自己就有了信心,以后每款就制作10件了。正如有位大藏家所说:10件雕塑作品在全世界流通,怎么能算多呢?有人担心限量复制会影响我的创作,其实不会。我们知道,雕塑的创作过程比较复杂,以铜雕为例,从泥稿、翻模到铸造,雕塑家都要介入,而且每一件都要有新的思想,要不停地提高难度,要推进,要超越。这些年来,我的作品常常是还在制作过程中就被人收藏了。随着作品不断进入市场,其价值逐渐体现出来了,我的知名度也提高了。有较高的知名度,艺术家就有了创作的动力和灵感。

现在,有些雕塑家不卖自己的作品,想着将来放博物馆。我疑惑的是:作品不流通怎么体现、展示其价值?价值不明将来如何进博物馆?如何激发自己的创造性?我认为他们不过是自恋罢了。艺术是为人民服务的。我觉着艺术家应该永远向前看,勇往直前,尽可能地提高个人的艺术水准,为社会创造更多新的精神财富,而不应一味地怀旧,絮絮叨叨地诉说自己曾经做了些什么,因为这样做不仅没意义,而且阻碍了自己发展。

总之,我们不能一棍子打死艺术作品的复制,因为这些作品流通范围广,在像黄金一样成了硬通货的同时,提高了人们的审美素质。

反方

批量复制品是“假艺术品”

郭庆祥(著名收藏家)

当今艺术品市场存在着几个方面的“假”:首先是艺术品造假,也就是赝品,从书画、油画、瓷器、玉器到青铜器,各个门类无所不涵盖;其次就是投机型的伪艺术家用流水生产线方式生产的“假艺术品”。“假艺术品”根本就不是艺术品,毫无艺术价值,却被一些才能平平、自吹、自擂、自封“大师”的伪艺术家炒作成艺术品,并高价兜售给收藏者或投资者。这种现象现在很普遍。

艺术家自己不断复制的同题材、同内容、同形式的产品,没有任何真实情感,已经远离了艺术本体,这种行为当属“艺术造假”。我想知道的是:艺术家的创作就是这样批量复制的吗?这些情感造假的产品难道也是艺术品吗?我们的艺术审美难道就这样被这些“虚情假意”的作品忽悠了吗?再如,一些人把“穿长衫、拿烟斗、背古诗”当“文化学识”的道具来包装自己,愚弄大众,欺骗投资者;把临摹、抄袭古人的作品当作是自己的创作,还自称“传统的继承者”。其实,这都是打着传统的旗号来蒙人的假传统。以南宋的梁楷、明清的八大、石涛为例,他们的艺术创作都不是那个时代的传统,而是那个时代的艺术及其思想的创新,因此他们的作品才被视为今天中国美术的传统。所以,今天利用传统概念、模糊继承传统的定义,抄袭、临摹古人并自称“传统的继承者”的画家,都是混淆是非的假传统,因为我们要继承的是传统的内涵及当代的创新精神,而不是外在形式的皮毛,更不是把程式化、模式化的固定招式当成传统来继承的。

然而,那些流水线生产的商品在市场上流通的数量也是巨大的。这些“假艺术品”,有些被炒作到了几十万、几百万元甚至数千万元的价格——这是在忽悠人。这些复制品之所以盛行,是因为很多收藏者和投资者“只认名,不认作品”,他们只收藏“名人作品”。这导致大多数艺术家都臣服这个“规则”——“先做名人,再卖作品”,拼命去出名,而不深入去研究艺术和开拓思想。这也是我常说他们“功夫在画外”的原因。那些伪艺术家就是利用了大众的审美缺失和美学盲区,制造了愚弄大众的“假艺术品”。但是,真正的艺术家一定要率领和引导大众审美,而不是一味迎合群众趣味和市场需要,因为长此以往就会导致低俗、庸俗、媚俗作品的泛滥。收藏者如果不研究艺术史就“跟风”买这些作品,那不就被坑了吗?所以,真正的收藏家一定要对艺术品自身的价值有研究,而不能“跟风”。我还是说那句老话:“感性认识,理性收藏”,坚持学术性收藏的理念。收藏艺术品,一定要把艺术价值放在首要位置。作品的个性化语言、风格、艺术思想的独立性、艺术家的创作态度等才是考量作品是否有价值的前提,因为市场价格只是一时的,有时也是虚假的,而艺术价值才是永恒和真实的。

总之,真正的藏家需要有情感创新、有时代精神的真艺术品,因为这类艺术品每一件都饱含着艺术家的真情实感,从心灵深处打动着我们、感动着我们,体现着艺术的真正价值。

克隆为古今中外艺术所不齿

陈履生(中国国家博物馆副馆长、著名评论家)

艺术家不断克隆自己的得意之作,甚至做流水线作业,我认为这类艺术家及其作品不值得一提,不值得讨论,因为这种行为为古今中外艺术所不齿。艺术的魅力之一,就是不断涌现的创造力。中外艺术不断发展的历史就表明了人类文化创造的力量,所以呈现出不同时期的精彩,各不相同。虽然齐白石自己说所画莲花“不下万幅”,皆因世人“不厌雷同”,但是,他的创造力表现出同样题材之间的差异性,正说明了他高超的绘画能力。他没有拷贝自己,因此他是真正的大师,能够代表一个时代,几十年上百年之后也会得到社会的尊重。

在我看来,这类克隆艺术品不具有艺术的价值,充其量是一种批量化的艺术产品。至于眼下这种批量化的艺术产品有市场的价值,能够在市场上兴风作浪,那是另外一个问题。因为在当今,英国艺术家的大便都能够成为艺术博物馆的藏品,所以见怪不怪。当今艺术界之所以出现这种状况,我想个中的原因有几点:首先是艺术家本身的素质存在严重的缺陷;其次是经济的诱惑,一方面导引艺术家对于市场的追求;另一方面是市场导引公众的认知,尤其是误导了一些有钱而没有文化、没有鉴赏能力的收藏家;再次是社会整体审美能力的下降。具体而言,艺术批量化生产,之所以能够有社会的支撑,是因为有市场的支持,有收藏的带动。而收藏有两种指向,一是眼前的,二是历史的。基于眼前的收藏,看到的是眼前的利益,因此不管复制不复制,不求唯一性,但求拥有而有利益,这也是最基本的从众心理。但不能立足于历史而是基于眼前的收藏,将会被未来的历史所淘汰。

至于这种复制现象对艺术创作和市场的影响,我想首先是混淆了是非,颠倒了黑白,长此以往会对艺术创作、艺术价值观产生根本性的负面影响,会导致低素质的艺术家的模仿。齐白石画虾,徐悲鸿画马,那是众所周知,可齐白石的众多题材和内容,徐悲鸿的中西贯通,都非复制者所能比拟。而要解决这一问题,我认为没有任何良策,因为在这个多元化的社会中,每人都有自己的选择,都有对艺术的认知。正好像迷信,明明知道坑人,可就有人信,艺术的道理更是如此——这个世道就是如此。

不能将复制一棍子打死

方向 (文化部中国画学会理事、著名国画家)

有两种人在复制自己的作品:一是传统型国画家,不断重复画同样的东西是为了从量变达到质变,这是学习中国画惯用的方法;二就是利益驱使了,毕竟复制可以减少构思成本,多产出。

艺术创作有两种倾向,而根据这两种倾向可以将艺术家归为两类:其一是观念性艺术家,其作品多表现自己的思想观点、创作理念、人生态度,创作技法处于比较次要的位置,如西方绘画和雕塑中的前卫艺术家、中国画中吴冠中等创新型画家等均如此类。这类作品的技术难度不大,价值贵在其构思经营上,每幅画都必须是独一无二的,否则价值会大打折扣;另一类是偏重技术型的画家,传统中国画家多属此类。他们明确了创作方向以后就不断在意境上和技法上去完善它,吴昌硕不断地重复《富贵神仙图》等几个常用的构图,他的笔墨功力很深,无人能及,他的作品价值就在于他的修为体现于其下笔的分量,至于画面的构图和内容则变得很次要,所以吴昌硕的作品不怕重复;李可染将《万山红遍》画了很多次,他对学术很认真,每次重复画都力图超越前一张,这类作品都是有很高的艺术价值。因此,我认为不能简单地将重复作品看作是批量生产,不能将重复一棍子打死。画家创作之路应该是一个不断追求超越自己、超越前人的过程,重复画而没有追求进步,艺术之路势必会走入死胡同,如果一个作者将艺术创作当简单的手工劳动,这对其艺术创作和艺术品市场是非常不利的,影响最大的还是艺术家自己。

西方成名的艺术家多会采用限量印刷的做法,让作品在社会流传开来,甚至有些名家把自己的作品结合到日常生活的各种用品中,如家具、时装、围巾、杯子、盘子、笔记本……画家出售的是构思,而非手工劳动,既不用画家花很多时间在画面的制作上,又取得了较好的经济效益。前几年,与我合作的美国画廊用版画为我制作了限量印刷,一幅画印50幅,售价是原作的十分之一,这是一举两得的事情。如果版权可以得到保护的话,这个方法我们可以借鉴。



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